Art et éducation : politiques, professions, pratiques. Les objectifs d’un séminaire pluridisciplinaire (2018-2020)

L’éducation artistique, prise dans son sens le plus large (renvoyant aux divers modes de transmission, formels et/ou informels de savoirs théoriques et pratiques relatifs aux arts), fait partie de ces objets qui requièrent, pour essayer d’en saisir toutes les dimensions, le croisement de plusieurs regards disciplinaires. Au croisement de questions ayant trait aux pratiques culturelles, aux pratiques éducatives (dans ou hors du cadre scolaire) et aux politiques culturelles, l’éducation artistique peut-être analysée, tour à tour ou simultanément, à partir de problématiques relevant plutôt de la sociologie, des sciences de l’éducation ou de la science politique (avec sa dimension historique). Elle constitue ainsi une invitation supplémentaire à la transgression disciplinaire dans l’analyse de la production, de la diffusion et de la réception des biens symboliques, en lien avec la problématique qui présidait au numéro 3 de la revue Biens symboliques/Symbolic Goods.

C’est dans cette optique que s’inscrit le séminaire « Art et éducation : politiques, professions, pratiques », porté par Marie-Pierre Chopin, professeure en sciences de l’éducation (CeDS, Université de Bordeaux), Rémi Deslyper, sociologue et maître de conférences en sciences de l’éducation (ECP, Université de Lyon 2) et Jérémy Sinigaglia, sociologue et maître de conférences en science politique (SAGE, Université de Strasbourg). Il se tiendra trois fois par an, une fois par an à Strasbourg, Bordeaux et Lyon, pendant deux ans (2018-2020).

L’origine du projet : abondance de travaux et cloisonnements disciplinaires

Deux phénomènes sont à l’origine du projet.

Le premier est le constat d’un intérêt croissant pour les questions d’éducation et de formation dans les domaines artistiques, que ce soit du côté des théoricien·ne·s et des praticien·ne·s de la pédagogie (autour notamment des questions d’éducation à l’art mais aussi par l’art) ou de celui des chercheur·se·s de différents domaines et disciplines des sciences sociales1. Au cours des dernières années se sont en effet multipliés les enquêtes, les colloques et les publications abordant sous des angles variés les relations entre art et éducation : certains travaux traitent des formes d’action publique qui tendent à la structurer (qu’il s’agisse d’analyser le développement des politiques publiques nationales et leurs déclinaisons locales en matière d’éducation artistique ou, par exemple, de comprendre la structuration et le rôle des structures de formation – conservatoires de musique ou d’art dramatique/chorégraphique, écoles d’art plastiques et visuels, etc.) ; d’autres se centrent sur les agents qui lui donnent corps, en observant les modalités de construction objectives et symboliques de groupes professionnels (pédagogues de la danse2, médiateurs3 et autres « intermédiaires » qui, d’une certaine manière, organisent la rencontre entre des artistes/des œuvres et des « publics »4) ; d’autres encore analysent les pratiques, les manières de faire en situation, de ces agents et tentent de saisir les effets sur les publics de ces actions d’éducation artistique au sens large (éveil à l’art d’enfants ou de publics scolaires, formation à destination de professionnels ou d’amateurs plus ou moins éclairés, médiation culturelle pour des publics populaires ou « empêchés », etc.).

Le second est le constat que l’abondance de travaux suscités par ces questions s’accompagne d’une relative persistance de cloisonnements disciplinaires au sein des sciences sociales, en particulier entre la science politique, la sociologie et les sciences de l’éducation (voir infra). C’est pour tenter de dépasser ce cloisonnement et, ce faisant, clarifier les questions liées à la façon dont l’éducation est pensée, organisée et vécue dans le domaine de l’art, que ce séminaire est mis en place.

Trois entrées pour un objet : les politiques, les professions, les pratiques

Évoquer l’éducation dans le domaine des arts, c’est nécessairement se confronter à la question classique : peut-on enseigner l’art ? Peut-on transmettre le sensible ? C’est donc aussi une façon de continuer à « chasser les mythes » (au sens de Norbert Elias) que constituent le talent, le don, l’inné, etc., tout particulièrement dans un domaine où il est encore courant de considérer « l’expérience esthétique » comme intrinsèquement spécifique et bien souvent naturalisée (l’oreille musicale, l’œil du peintre ou du photographe, le sens du rythme) – précisément parce que l’incorporation, au sens fort de l’inscription dans le corps, fait oublier le travail éducatif, conscient et inconscient, nécessaire à sa réalisation.

Ce séminaire, entendu à la fois comme un lieu de discussion de recherches achevées ou en cours et d’élaboration collective de projets de recherches (mémoires de master, thèses…), souhaite articuler plusieurs niveaux de questionnement, correspondant à différentes entrées dans l’objet.

  • Une entrée par les politiques et les institutions : comment rendre compte de la constitution et de l’organisation de l’espace de l’éducation dans les domaines de l’art (dimension sociohistorique) ? Quelles sont les relations avec le champ artistique et le champ de l’éducation et de la formation ? Quels sont les effets des formes institutionnelles sur l’éducation (les conditions d’accès, les « débouchés », etc.) ?
  • Une entrée par le travail et les professions : qui sont les acteurs (directs et indirects) de l’éducation aux arts ? Dans quelles conditions (matérielles et symboliques) s’opère l’entrée dans ces carrières ? Peut-on y observer la rencontre entre une vocation enseignante et une vocation artistique ? Quelles sont les formes d’organisation collective de ces agents (associations diverses, syndicats, etc.) ? et peut-on observer la constitution d’une identité professionnelle (sectorielle/disciplinaire ou transsectorielle/transdisciplinaire) ?
  • Une entrée par les pratiques et les situations : comment se passe concrètement la transmission/l’éducation ? Plus précisément, comment s’organisent, en termes de configurations pédagogiques (espaces, temps, modes relationnels entre acteurs de la transmission) et d’agencement de milieux didactiques (propriétés des situations d’enseignement), la diffusion de savoirs, plus largement de pratiques, résistant de surcroît pour une large part à l’explicitation (puisqu’il s’agit bien, comme dit plus avant, de faire naître cette « oreille », cet « œil » ou ce « sens du rythme » chez le sujet engagé dans l’apprentissage).

Partant de ce questionnement général et des questionnements plus particuliers qui en découlent, et en s’appuyant sur des travaux achevés comme sur des enquêtes en cours, le séminaire vise plus particulièrement deux objectifs.

Le premier est de faire apparaître les zones d’ignorance respective de chaque discipline relativement à ses voisines sur un objet (l’éducation dans le domaine des arts) qui les convoque pourtant toutes. Si la connaissance du réel, comme le dit Bachelard, « est une lumière qui projette quelque part des ombres »5, quels points aveugles peuvent (et gagnent à) être identifiés au sein des travaux menés dans les trois disciplines réunies dans le séminaire ? Des hypothèses sont déjà candidates : une entrée par l’organisation institutionnelle de l’éducation artistique laisse dans l’ombre l’analyse des pratiques pédagogiques dont l’une des particularités est souvent de recomposer, retraduire, les préconisations et/ou modèles diffusés ; une entrée par les interactions didactiques ou pédagogiques tend fréquemment à négliger la dimension historiquement et socialement située des situations éducatives. En plus de mettre à l’épreuve ces premiers éléments, le séminaire visera surtout à les affiner et à en révéler de nouveaux.

Le second consiste à comprendre en quoi ces points aveugles remettent en question la pertinence des résultats produits par les recherches menées sur les politiques, les professions et les pratiques éducatives dans les domaines artistiques – et ce au-delà de la seule dimension d’incomplétude qui ne saurait constituer une critique consistante. Pour donner un exemple liée à cette nécessité d’un regard critique permis par la pluridisciplinarité, alors que l’analyse d’un dispositif pédagogique en art menée avec les seuls outils du sociologue (à travers l’analyse des dispositions des agents de la transmission et/ou des interactions soutenant l’action) pourrait mettre en évidence le rôle joué par des phénomènes d’affinité culturelle dans le choix, par l’enseignant·e, des élèves avec lesquels il interagit (phénomènes affinitaires d’autant plus puissants qu’ils concernent des esthétiques spécifiques et des formes de rapport à l’art très incorporées), une analyse didactique pourrait montrer que cet·te enseignant·e n’a d’autre choix, pour faire avancer son cours dans le temps qui lui est imparti, que de solliciter la parole de celles et ceux dont il/elle sait qu’ils et elles détiennent la réponse conforme à ses attentes et dont l’énonciation est nécessaire à l’apprentissage de l’ensemble du groupe (ici, la fonctionnalité de l’échange sera moins liée au renforcement des processus affinitaires qu’à l’avancée des connaissances pour le plus grand nombre – même si le renforcement pourra bel et bien avoir lieu).

En lien avec ces deux premiers objectifs (et de façon plus réflexive), le séminaire visera également à mieux comprendre les origines théoriques, méthodologiques mais aussi académiques des zones d’ignorance de chaque discipline par rapport aux autres et les parcellisations subséquentes des regards portés sur les phénomènes éducatifs en art. On notera en outre que ces « partitions du réel » ne concernent pas seulement les spécialisations disciplinaires mais se retrouvent aussi à l’intérieur de celles-ci, et les traversent. En effet, en fonction des approches développées par les chercheur·e·s, leur attention portera plutôt sur les situations et les interactions éducatives, ou sur les dispositions et trajectoires des agents, ou sur les logiques institutionnelles qui structurent ces espaces (voire ces champs) de relations.

Enfin, ces trois premiers objectifs devraient permettre l’émergence de questions nouvelles à propos des phénomènes d’éducation dans le domaine des arts, et l’identification des moyens de leur traitement (épistémologiques, théoriques, méthodologiques).

Ce séminaire vise donc à produire une approche interdisciplinaire des relations entre art et éducation. Prenant appui sur les parcours et expériences de recherche des trois coordinateur·rice·s (une chercheuse en sciences de l’éducation, dont la pratique est ouverte, notamment, sur la sociologie et l’anthropologie ; un sociologue enseignant les sciences de l’éducation ; un sociologue « passé » à la science politique) et sur les travaux des jeunes chercheur·se·s qu’ils/elles encadrent, il s’agira de « décloisonner »6 les approches disciplinaires de l’objet « l’éducation à l’art » et ainsi d’éviter les « dé-liaisons dangereuses »7 entre des approches et des problématiques qui, pratiquées de manière isolées, n’en donnent toujours qu’une vision tronquée.

Le séminaire joue en outre un rôle central de formation à la recherche, pour des étudiant·e·s de master 1 et 2 et des doctorant·e·s des trois équipes impliquées (en particulier le Master 2 Science politique – politique et gestion de la culture de l’IEP de Strasbourg et les Master 2 Éducation et médiation des pratiques et des savoirs, et Responsable de formation et d’insertion (comprenant un domaine art) de l’université de Bordeaux). Ces jeunes chercheur·se·s seront invité·e·s à mettre en pratique (dans le cadre de travaux individuels ou collectifs) cette invitation à l’« in-discipline »8 , ou au moins, dans un premier temps (pour les étudiant·e·s les moins avancé·e·s) à la réflexion sur les « limites disciplinaires »9.

Marie-Pierre Chopin et Jérémy Sinigaglia

  1. Pour ne citer que quelques travaux récents : Montandon D. & Pérez-Roux T. (dir.), 2014, Les médiations culturelles et artistiques. Quels processus d’intégration et de socialisation. Paris : L’Harmattan, 270 p. ; Lemonchois, M., 2017, Approche sensible, imaginaire et raisonnée du langage plastique. Montréal : Éditions JFD ; Boudinet G. & Sanchez-Iborra C. (dir.), 2017, Expérience esthétique et savoirs artistiques. L’Harmattan, 162 p. ; Kerlan, A., 2014, L’art pour éduquer ? La tentation esthétique : une contribution philosophique à l’étude d’un paradigme. Presses université Laval ; Fabre S., 2017, Normativité de l’éducation artistique : Le Pont des Arts. L’Harmattan, 220 p. ; Poulot D., Pire J.-M. & Bonnet A. (dir.), 2010, L’éducation artistique en France. Du modèle académique et scolaire aux pratiques actuelles XVIIIe-XIXe siècles. Rennes : PUR, 383 p. ; Bonnet A., Lavie J., Noirot J. & Rinuy P.-L., 2014, Art et transmission. L’atelier du XIXe au XXIe siècle. Rennes : PUR, 262 p. ; Lauret J.-M., 2014, L’art fait-il grandir l’enfant ? Essai sur l’évaluation de l’éducation artistique et culturelle. Toulouse : Éditions de l’attribut, 157 p. ; Fourreau E. (dir.), 2018, L’éducation artistique dans le monde. Récits et enjeux. Toulouse : Éditions de l’attribut. 315 p. []
  2. Chopin, M.-P., 2016. Pédagogues de la danse. Transmission des savoirs et champ chorégraphique. Paris : Fabert. []
  3. Aboudrar, B.N., Mairesse, F., 2016. La médiation culturelle. Paris : PUF. []
  4. Jeanpierre, L., Roueff, O., 2014. La culture et ses intermédiaires. Dans les arts, le numérique et les industries créatives. Paris : Archives contemporaines ; Lizé, W., Naudier, D., Roueff, O., 2011. Intermédiaires du travail artistique. A la frontière de l’art et du commerce, Paris : DEPS – Ministère de la culture et de la communication, coll. Questions de culture. []
  5. Bachelard, G., 2004 (1e éd. 1935), La formation de l’esprit scientifique, Paris : Vrin, p. 15. []
  6. Comme y invitent les auteures de cet ouvrage consacré à l’enquête sur le travail : Avril, C., Cartier, M., & Serre, D., 2010, Enquêter sur le travail. Paris : La découverte, coll. Grands Repères – Guides. []
  7. Bezes, P., & Pierru, F., 2012, « État, administration et politiques publiques : les dé-liaisons dangereuses. La France au miroir des sciences sociales nord‑américaines », Gouvernement et action publique, n°2, vol. 2. []
  8. Charpentier, I., & Dubois, V., 2005, « Conseils d’in-discipline ». In G. Mauger (dir.), Rencontres avec Pierre Bourdieu, Bellecombe-en-Bauges : Éditions du Croquant, p. 305‑312. []
  9. Sinigaglia J. & Thibault A., « Questions d’in-disciplines. Genèse et transgressions des frontières de la sociologie de l’art et de la culture », Biens symboliques/Symbolic Goods, n°3. []

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